Mina Richman (foto: Victoria Jung)

Track By Track: Mina Richman über ihre Album „Grown Up“

Mit „Grown Up“ har die junge Musikerin Mina Richman gerade ihr Debütalbum vorgelegt. In Berlin geboren, aber in der Kleinstadt Bad Salzuflen aufgewachsen, pendelte sie schon früh zwischen den Welten und entdeckt in der CD-Sammlung ihrer Tante Schätze wie Joan As Police Woman und Nina Simone. Soul und Blues, die Hip-Hop-Kultur und die Revolte der großen Singer-Songwriterinnen standen Pate, als sie an ihrer Debüt-EP „Jaywalker“ (2022) arbeitete, mit der sie als beste Newcomerin für den PopNRWPreis nominiert wurde.

Nun liegt also der große Erstling vor. „Der Prozess des Schreibens und der Aufnahme dieses Albums war emotional und anstrengend. Im vergangenen Jahr, in dem die meisten Songs geschrieben wurden, habe ich viele Dinge erlebt, die zu überwältigender Orientierungslosigkeit und Verlorenheit geführt haben“, erinnert sich Richman. Als deutsch-iranische Frau habe die Revolution im Iran Gefühle der kulturellen Entwurzelung, Wut, Schmerz und Verlust der Berührung mit ihrem Erbe ausgelöst. NEON GHOSTS verrät Richman nun, welche Gedankenspiele hinter den einzelnen Tracks von „Grown Up“ stecken.

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Track By Track

1. Nearly to The End

„Nearly To The End“ ist der erste Song, den wir mit unserem Produzenten Tobias Siebert in seinem Studio aufgenommen haben. Auf einem verlassenen ehemaligen Bauernhof in der Nähe der polnischen Grenze. Wir verbrachten die Ostertage dort. Mit viel Sonnenschein, der durch die Fenster der „Cathedral“ (so heißt das Studio) schien, produzierten wir als Band den ersten Song. Während ich alle Texte und Gesangsmelodien selbst schreibe, ist meine Band sehr wichtig für den Schreibprozess. Dieser Song entstand gemeinsam, angefangen mit dem Beat, den unser Schlagzeuger gerade während einer Probe zu spielen begann. Der Bass und die Gitarre setzten ein und ich war direkt inspiriert, einen Text zu schreiben.

Das ist eine gängige Art und Weise, wie unsere Songs entstehen. Normalerweise benutze ich mein Handy, um Textideen zu notieren und uns beim Spielen aufzunehmen, damit wir nichts vergessen. In diesem genauen Moment empfand ich eine immense Dankbarkeit für die Menschen in meinem Leben und das Privileg, Musik zu machen und gute Freunde zu haben.

Zur gleichen Zeit, nachdem ich kürzlich eine Trennung erlebt hatte, habe ich auch gelernt, dass ich einige Dinge allein durchmachen muss, was den Text „These final steps I’ll walk alone. I’ll meet you soon again“ inspirierte. Ich habe im vergangenen Jahr und im Schreibprozess des Albums viel verarbeitet, überwunden und bin viel an Herausforderungen gewachsen. All das wurde von besonderen Menschen in meinem Leben unterstützt und begleitet. So großartig wie diese Menschen auch sind, sie können mir aber nicht abnehmen, Entscheidungen zu treffen und schwere Zeiten durchzustehen.

2. Referee

Apropos Verarbeitung. Es war ein weiterer Tag in unserem Probenraum im Keller des Elternhauses unseres Gitarristen Freddy. Wir warteten darauf, dass Alex (Bass) und Leon (Drums) aus Bielefeld eintrafen. Während dieser Wartezeit begann Freddy das Intro zu spielen, aus dem dann “Referee” wurde. Ich war sofort begeistert und begann die Texte zu schreiben und Melodien auszuprobieren. Ich habe damals viel über die Ehe meiner Eltern und deren Auswirkungen auf mich nachgedacht. Ein Kind als Schiedsrichter seiner eigenen Eltern. „I was the conformist, I was the talker, I was the translator, in question walker“.

Ich dachte über die Verhaltensweisen nach, die ich gelernt hatte, als ich als Kind in dieser dysfunktionalen Ehe aufwuchs und wie diese immer noch meine eigenen Beziehungen beeinflussen. Zu dieser Zeit hatte ich bereits meinen jetzigen Partner kennengelernt und mir wurde klar, dass ich manchmal wirklich das Problem bin. Eine bittere Pille, aber ich war begierig zu wachsen und zu lernen und zurückzulassen, was mir nicht mehr diente.

Dieses Lied wurde wieder zu einem Gefäß für den alten Schmerz, der manchmal noch da war. Als der Song erschien, fragte ich meine Mutter, wie sie darüber dachte und sie sagte: „Es ist wahr, ein bisschen schwierig, sich damit auseinanderzusetzen, aber es ist alles wahr. “ Wenn überhaupt, hat dieser Song meine Beziehung zu meinen Eltern verbessert. Ich legte meine Wut an einen sicheren Ort, und es erlaubte mir, sie zu überwinden.

3. Never Dared To Dream

Der letzte Song, der für das Album geschrieben wurde. Es war ein langer Tag für uns alle und wir spürten, wie der Druck auf uns wuchs. Bald standen die Aufnahmen an. Die meisten Songs waren schon ausgewählt, aber ich hatte das Gefühl, dass mir noch ein leichterer, folkloristischer Song auf der Platte fehlte. Unerwartet ist dieser Song dann einfach passiert. In meinem Kopf überlegte ich, was dieses Album für mich, für uns, aus persönlicher, aber auch aus beruflicher Sicht bedeuten könnte. Du kannst dein erstes Album nie wieder aufnehmen. Nun, ich nehme an, das gilt auch nicht für ein zweites, drittes oder zehntes Album, aber ich spürte den Druck dieser großen Sache, die da passieren sollte.

Wenn ich an die unzähligen Stunden zurückdenke, die ich in meinem Kinderzimmer verbracht hatte, tagelang P!nk- und Adele-CDs anzuhören, mich an die Worte zu erinnern und mir vorzustellen, auf einer Bühne zu singen, wurde mir klar, dass ich es nie gewagt habe, diese Träume auszudrücken. Ich habe nie jemandem gesagt, dass ich Sängerin werden möchte. Die Chancen zu versagen, schienen zu hoch. Ich fürchtete, als Versagerin gesehen zu werden. Dieser Druck war immer da.

In diesem Moment wurde mir jedoch klar, dass ich es verdiene, große Träume zu haben. Der Mut, sie auszusprechen, erhöht die Chancen, diese Träume zu leben. Ich wollte mich nicht mehr verstecken. Wenn ich untergehe, gehe ich unter. Aber ich kann nicht mehr so tun, als hätte es mir sowieso nicht viel bedeutet. „I wanted it all, but never dared to dream, paint the picture small so that they couldn’t see, if I failed secretly“. Dieser Song fühlt sich immer befreiend für mich an, wenn wir ihn live spielen.

4. Something To Rely On

Dieser Song begann mit einer Akkordprogression, die Alex, der normalerweise Bass spielt, auf meiner Ukulele spielte. Ich wurde sofort hellhörig und wir haben ein wenig ausprobiert. Da die Probe aber eigentlich schon beendet war, nahm ich schnell einen kleinen Ausschnitt auf und sagte: „Lasst uns das nächste Mal darauf zurückkommen“ und das taten wir. Im Januar debütierten wir diese bnoch rohe Idee bei einem Konzert. Alex und ich, allein im Foyer des FFT in Düsseldorf an einem der besondersten, aber auch surrealsten Konzertabende meines Lebens. Eigentlich sollten wir zu dritt dort sein – mit Freddy. Und eigentlich sollte Freddys Mama noch leben.

Am Tag zuvor, als wir gerade bei Freddy zum Konzert losfahren wollten, das am Vorabend in Crailsheim stattfinden sollte, kam der Anruf, dass sich der Zustand seiner Mutter verschlimmert hatte. Wir brachten Freddy nach Hause, waren emotional am Ende. Alex und ich sagten das Konzert in Crailsheim ab und wandten uns hilflos, wie wir waren, wieder der Musik zu. Als Gefäß für Schmerz und Heilung. Düsseldorf wollten wir spielen. Die Zuschauer sangen mit und trugen uns durch die Nacht.

Musik ist etwas, auf das wir uns alle immer verlassen konnten, und deshalb ist dieser Song, der Ende Januar 2024 veröffentlicht werden sollte, für uns alle ein besonderer Song. Die Strophen thematisieren kulturelle Entwurzelung („These dug out roots belong to my father, there’s no soil where I’m bound”) und Selbstzweifel („it’s hard to say whose judgement to trust but the past has shown least of all my own“). Die Suche nach etwas, auf das man sich verlassen kann, ist ein Thema, das immer wieder Raum in den Texten dieses Albums findet.

5. Baba Said

In den ersten Tagen der Revolution schrieb ich den Song „Baba Said“ in meinem Schlafzimmer, in der Hoffnung, den überwältigenden Berg der Gefühle irgendwo zu platzieren. Lieder als Gefäße für Schmerzen zu betrachten, hat mich oft gerettet. Ein Ort, an dem die Emotionen existieren können, innerhalb von Worten und Melodien. Das macht sie beherrschbar, erträglich und teilweise sogar überschaubar.

Ich habe die Aufnahmen, die ich auf Instagram gesehen hatte, von Frauen, die kurz nach dem Tod von Jina Mahsa Amini in der Öffentlichkeit tanzen und ihre Hijabs verbrennen, lyrisch mit meinen persönlichen Erfahrungen mit der Meinung meiner Tante und meines Vaters zu Kopftüchern und den Einschränkungen der Frauenfreiheit durch das Regime in Verbindung gebracht. Der Song ging auf Instagram viral, und ich bekam viel Dankbarkeit mit und ein Gefühl der Zusammengehörigkeit von Seiten der iranischen Community. Es ist eines meiner politischsten Lieder. Ich spiele das Lied live bei jedem Konzert, nachdem ich mit mir selbst den Pakt geschlossen habe, genau das zu tun, bis das Regime gestürzt ist.

6. Grow Up

Ursprünglich als Interlude gedacht, bestehend aus einem Gedicht und einer Gitarrenmelodie, ist der Song zu einem Abenteuer geworden. Hier kommen neue Genre-Einflüsse zum Tragen und erstmals probiere ich in meiner Musik auch Spoken-Word-Elemente aus. Ich schrieb die Lyrics, nachdem mir eine Bekannte gesagt hatte, ich solle erwachsen werden. Ihre Reaktion auf eine Panikattacke, die ich in der Kölner Straßenbahn hatte. Nicht böse gemeint, aber diese Worte – „Grow Up“ – trafen mich. Ich war verletzt und wütend, weil ich oft das Gefühl hatte, ich hätte meine Kindheit verpasst. Ich wuchs unter Erwachsenen auf, verlor meinen Großvater sehr früh („my grandfather’s body cold and white“) und verbrachte die meiste Zeit meiner Jugend damit, Ruhe zu Hause zu bewahren, verantwortungsbewusst zu sein, mich nie rauszuschleichen, immer meine Hausaufgaben zu machen und gute Noten zu bekommen.

Während ich um meine Kindheit und nach Beginn der Iran-Revolution um die Heimat meines Vaters trauerte, die ich auf Sicht nicht bereisen können würde, entwickelte sich aus dem Gedicht viel mehr. Im Studio kamen wir nur mit einer noch nicht klar definierten Idee in Form einer Handyaufnahme an. Gemeinsam mit Toby haben wir den Beat gebaut und uns entschieden, im Chorus das persische Instrument Santur als Hommage an meinen Vater und seine Heimat einzuspielen. Neben kultureller Entwurzelung geht es auch um den gesellschaftlichen Umgang mit dem weiblichen Körper und Erwartungen an das Erwachsenwerden.

7. Too young

Dieser Song ist derjenige, der im Laufe der Jahre die meisten Veränderungen erfahren hat. Wir haben alle möglichen Genres (sogar Reggae!), Tempi und Rhythmen probiert und fanden lang nicht den richtigen Zugang. Jetzt ist er einer unserer absoluten Favoriten auf dem Album. Die ursprüngliche Entstehungsgeschichte spielt hier kaum noch eine Rolle. Die erste Zeile ist jedoch geblieben: „She said I’m too young to be the one“.

Jeder hat als Kind mal den Satz gehört: „Dafür bist Du noch zu jung“. Wenn man hauptsächlich von Erwachsenen umgeben aufwächst, hört man ihn sehr oft. In „Too Young“ singe ich von Momenten, in denen ich tatsächlich noch zu jung war. Es geht um Freundschaften, die sich als keine entpuppten. Beziehungen, die nicht auf Augenhöhe stattfanden und patriarchale Strukturen in unserer Gesellschaft. Als wir bei den Aufnahmen des Gesangs die dritte Strophe erreichten, sagte ich: „Warte, Toby, das tut mir noch nicht genug weh“. Ich wusste, dass ich nichts mehr zurückhalten darf. Ich ging tief in meinen Schmerz und holte alles raus. Angst, Selbstzweifel, Wut darüber, mich nachts nicht sicher zu fühlen auf der Straße. Dass ich als Frau nicht die gleichen Chancen habe wie ein Mann. Über Menschen, die mein Vertrauen ausgenutzt haben, weil ich es nicht besser wusste.

Ich bin sehr stolz darauf, mich so verletzlich zu zeigen. Das ist eine der Entwicklungen von der EP zum Album, die ich am meisten schätze. Ich erfinde keine Geschichten mehr. Alles, was ich singe, ist die Wahrheit. Teils verzerrt, teils verschwommen – doch nichts davon ist fiktiv.

8. Song Of Consent

Das ist der älteste Song auf dem Album. Ein Ausschnitt davon machte schon vor der Veröffentlichung meiner ersten EP auf Instagram die Runde. Der Titel sagt alles. Es ist eine feministische Hymne über Zustimmung, Sex-Positivity und der mit Abstand tanzbarste Song auf der Platte. Ein Publikumsliebling. „You may have me, but you must ask me and if I don’t say yes don’t put it to the test“. Wir haben letztes Jahr versucht, den Song selbst aufzunehmen und zu produzieren, waren aber zögerlich, ihn zu veröffentlichen. Irgendwas fehlte noch. Als wir dann im Studio waren, fügte sich alles.

9. Take Me

Dieser Songs begann damit, dass Freddy die Melodie improvisierte, die er zu Beginn jedes Refrains spielt. Er fand sein Thema in meiner Suche nach Verbindlichkeit in einer Beziehung, die ich in meiner letzten vermisst hatte.

Ich hatte genug davon, dass jeder um mich herum scheinbar nicht in der Lage war, sich in einer Beziehung verbindlich zu zeigen. Der Begriff „situationship“ tauchte inflationär auf und ich hatte es satt, diejenige zu sein, die Energie und Zeit in eine Beziehung steckt und dafür nichts zurückbekommt.

Dieser Song kritisiert moderne Dating-Kultur und drückt den tiefen Wunsch nach Verbindlichkeit und Partnerschaft aus. „Take me, hold me down, don’t look around, it’s just you and me now”.

10. The Woman I Am Now

Der letzte und mit Abstand intimste Song, puristisch arrangiert, nur mit Klavier und Gesang. Er rundet das Album mit einem positiven Resümee ab. Ich habe den Refrain zu diesem Song auf dem Weg zu unserem ersten Studiobesuch geschrieben. Ein Gefühl der Dankbarkeit, des Stolzes für das, was ich bisher erreicht habe, überwältigte mich und vor allem ein tiefes Gefühl des Friedens. Ich wollte, dass das Album mit einer positiven Note endet, mit Stolz, Wertschätzung und Liebe für mich selbst, „the woman I am now“. All der Schmerz, der Verlust und die Angst waren es wert, jetzt dort angekommen zu sein, wo ich bin. Ein Versprechen, nicht aufzugeben – und alles zu geben, was man hat, ohne sich zurückzuhalten, um zu werden, wer man ist.

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