Zehn Jahre nach seinem Durchbruch hat das Dream-Pop-Duo Sports aus Oklahoma sein lang erwartetes selbstbetiteltes Album „Sports“ auf den Markt gebracht (das ab sofort über ONErpm erhältlich ist). Zwölf Songs zwischen schimmernder Pop-Eleganz, subtiler Psychedelik und kontrollierter Verzerrung ergeben ein Werk, das weniger nach Neuerfindung klingt als nach bewusster Selbstverortung. Hier erklären Christian Theriot und Cale Chronister die Gedankenspiele hinter den einzelnen Tracks.
Gravestone
CHRISTIAN: So “Gravestone” came together pretty early on while we were starting new music. We didn’t totally know what the album was going to be yet, just that we were deep in just making music together. At one point, Cale mentioned calling the album “Cale and Christian,” which actually stuck as our working title for a while since we were producing everything ourselves.
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I had this idea that the record should start with our voices—just a really direct way of saying, here’s us, no filter. But technically, the first thing you hear is that synth sound. We’d just bought the Sequential Trigon before starting the album, and we like to grab a new piece of gear before a new project. Usually, it’s a synth, just to mess around with fresh sounds. This one ended up being a custom patch we built and felt really proud of. Then right after that, you get our voices, which just felt fitting for the whole self-produced thing.
Cale already had some lyrics, or maybe just the word “Gravestone.” We didn’t sit down to make a demo. We both agreed, “Let’s try this idea,” and we went for it. I love where it ended up, especially the outro. Cale mentioned hearing something on Tyler, the Creator’s “Igor” that inspired the beat switch-up and that kind of inspired how we wanted the ending to hit.
And for the ending itself, I was really into the idea of songs just stopping, no fade-outs, no soft exits. When it ends, it ends. It gives the next track this clean, dramatic entrance. So yeah, this one wraps up with Cale just saying, “Me” and then it cuts. Simple, but it lands!
CALE: I just started singing “you can put it on my gravestone” over the track.
That lyric kind of changed the whole subtext of the song and we ran with it. That’s a phrase I hear people say all the time, but I hadn’t heard it in a song. That’s essentially what I’m always looking for with lyrics. By the time I finished the lyrics it didn’t feel like the song was about ‘Cale and Christian’. It felt like it was just about life and death. And therefore, I think killed the “Cale & Christian” album title.
It became about all the pressure I put on myself to be liked, specifically as an artist by my fans. People who I’m so grateful for, but who are technically strangers. And I’m always worrying about being criticized, or disappointing people. And it felt freeing to say “you can put whatever you want on my gravestone. I won’t be here to read it anyway.” It’s another way to say it doesn’t matter what people think of me, positive or negative. I’ll never know it and it’ll never be totally accurate. It helped me get back to how it felt in the beginning when I didn’t expect anyone to hear my songs.
This wasn’t intentional from the jump but a lot of the album was about “Sports.” Being in this “band”, because that’s my life now. So it actually really works as a self-titled album.
CHRISTIAN: „Gravestone“ entstand also ziemlich früh, als wir mit neuen Musikprojekten begannen. Wir wussten noch nicht genau, wie das Album klingen würde, wir waren einfach voll und ganz in die gemeinsame Musik vertieft. Irgendwann schlug Cale vor, das Album „Cale and Christian“ zu nennen, und das blieb dann auch eine Weile unser Arbeitstitel, da wir alles selbst produzierten.
Ich hatte die Idee, dass die Platte mit unseren Stimmen beginnen sollte – einfach eine ganz direkte Art zu sagen: Hier sind wir, ungefiltert. Aber technisch gesehen hört man als Erstes diesen Synthie-Sound. Wir hatten uns kurz vor Beginn der Albumproduktion den Sequential Trigon gekauft, und wir schnappen uns gerne ein neues Gerät, bevor wir ein neues Projekt starten. Normalerweise ist es ein Synthie, einfach um mit neuen Sounds herumzuexperimentieren. Dieser hier war schließlich ein selbst erstellter Patch, auf den wir richtig stolz waren. Direkt danach setzt dann unsere Stimme ein, was einfach perfekt zu unserer Selbstproduktion passte.
Cale hatte bereits einige Texte, oder vielleicht nur das Wort „Gravestone“. Wir haben uns nicht hingesetzt, um eine Demo aufzunehmen. Wir waren uns beide einig: „Lass uns die Idee ausprobieren“, und haben es einfach umgesetzt. Ich bin total begeistert vom Ergebnis, besonders vom Outro. Cale erwähnte, dass er auf Tyler, the Creators „Igor“ etwas gehört hatte, das ihn zu dem Beat-Wechsel inspirierte und uns wiederum die Idee für das Ende gab.
Beim Ende selbst gefiel mir die Idee, dass die Songs einfach abrupt enden, ohne Ausblenden, ohne sanftes Ausklingen. Wenn es vorbei ist, ist es vorbei. Das gibt dem nächsten Track einen klaren, dramatischen Einstieg. Also ja, dieser Song endet damit, dass Cale einfach „Ich“ sagt, und dann ist Schluss. Simpel, aber es funktioniert!
CALE: Ich habe einfach angefangen, „you can put it on my gravestone“ über den Song zu singen.
Dieser Text veränderte die gesamte Bedeutung des Songs, und wir haben ihn weiterentwickelt. Ich höre diesen Ausdruck ständig, aber noch nie in einem Lied. Genau das suche ich immer bei Songtexten. Als ich mit dem Text fertig war, fühlte es sich nicht mehr so an, als ginge es in dem Song um „Cale und Christian“. Es fühlte sich einfach nach Leben und Tod an. Und deshalb, denke ich, war der Albumtitel „Cale & Christian“ hinfällig.
Es ging um den ganzen Druck, den ich mir selbst mache, um gemocht zu werden, insbesondere als Künstler von meinen Fans. Menschen, denen ich so dankbar bin, die mir aber eigentlich fremd sind. Und ich mache mir ständig Sorgen, kritisiert zu werden oder andere zu enttäuschen. Es war befreiend zu sagen: „Ihr könnt schreiben, was ihr wollt, auf meinen Grabstein. Ich werde es sowieso nicht mehr lesen.“ Es ist eine andere Art zu sagen, dass es mir egal ist, was die Leute von mir denken, ob positiv oder negativ. Ich werde es nie erfahren, und es wird nie ganz der Wahrheit entsprechen. Es hat mir geholfen, mich wieder an das Gefühl vom Anfang zu erinnern, als ich noch nicht damit gerechnet hatte, dass jemand meine Songs hören würde.
Das war nicht von Anfang an so geplant, aber ein Großteil des Albums dreht sich um „Sport“. Um das Dasein in dieser „Band“, denn das ist jetzt mein Leben. Deshalb funktioniert es tatsächlich auch als selbstbetiteltes Album.
Nice 2 Meet Myself (Bang Bang Bang)
CHRISTIAN: This one came together around May 16th, 2023, sparked again by a new piece of gear we’d just got—the Echo Fix chorus echo. I plugged my guitar into it and started messing with some chords.
Around this time, I’d been binge-watching Sega Bodega’s track breakdowns on Twitch and YouTube. I was fascinated by how he made music and picked up on some of his techniques. One thing he used a lot was a plugin called Iris by iZotope, which is basically a sampler. Cale was tweaking presets, and one of them had a voice sample that said “bang.” He played with that “bang, bang, bang” idea early on, which became a key part of the track.
We’d both been reading David Byrne’s book, How Music Works, the one with the bright orange cover. There’s a chapter about writing music for the space you’re playing in, and we joked about making a song that would feel right in a stadium: big and anthemic.
Most of the structure stayed close to the original demo. One thing we went back and forth on was Cale’s vocal delivery. We didn’t want it to feel too intense or, for lack of a better word, overly masculine. Eventually, he re-sang the vocals softer, which let the aggression in the music come through while the vocals floated on top and helped the whole thing soar, just like a lyric says in the song.
For a while, the track’s working title was “Bang Bang Bang,” but then we realized there’s a UK band called Sports Team with a song by that name that was gaining traction. So to avoid confusion, we settled on “Nice 2 Meet Myself,” a phrase from one of the lyrics that felt like the perfect title. We kept the “(Bang Bang Bang)” in parentheses as a nod to the original idea.
CALE: When it came time to add vocals, I saw the spine of a book on my bookshelf titled “How To Meet Yourself” which is a book by Dr. Nicole LePera. It’s like a self therapy book that I bought and never read, though I have gotten a lot out of her instagram (@the.holistic.psychologist). I’m pretty sure everyone I know follows her. But the title of the book just leaked into the lyrics “I just want to say hi, it’s really nice to meet myself” and I wrote the rest of the song around that idea. It piggybacks off of Gravestone a bit. Fantasizing about how freeing it would be if I could actually figure out how to get out of my own way.
Nicht mehr selbst im Weg stehen
CHRISTIAN: Dieses Stück entstand um den 16. Mai 2023, angestoßen durch ein neues Gerät, das wir uns gerade zugelegt hatten – den Echo Fix Chorus-Echo. Ich schloss meine Gitarre an und experimentierte mit ein paar Akkorden.
Ungefähr zu dieser Zeit sah ich mir fleißig Track-Breakdowns von Sega Bodega auf Twitch und YouTube an. Ich war fasziniert davon, wie er Musik machte, und eignete mir einige seiner Techniken an. Er nutzte häufig das Plugin Iris von iZotope, im Grunde ein Sampler. Cale bearbeitete Presets, und eines davon enthielt ein Sprachsample, das „Peng“ sagte. Er spielte früh mit dieser „Peng, Peng, Peng“-Idee, die zu einem Schlüsselelement des Tracks wurde.
Wir lasen beide David Byrnes Buch „How Music Works“, das mit dem leuchtend orangefarbenen Cover. Es gibt ein Kapitel darüber, wie man Musik für den jeweiligen Veranstaltungsort schreibt, und wir scherzten darüber, einen Song zu machen, der sich in einem Stadion richtig anfühlen würde: bombastisch und hymnisch.
Die Struktur blieb größtenteils im Original-Demo. Wir diskutierten lange über Cales Gesang. Er sollte nicht zu intensiv oder, um es mal so auszudrücken, zu maskulin klingen. Schließlich sang er den Gesang sanfter ein, wodurch die Aggressivität der Musik besser zur Geltung kam, während der Gesang darüber schwebte und dem Ganzen, wie es im Songtext heißt, einen mitreißenden Schwung verlieh.
Eine Zeit lang hieß der Track „Bang Bang Bang“, aber dann fiel uns ein, dass es eine britische Band namens Sports Team mit einem gleichnamigen Song gibt, der gerade an Popularität gewann. Um Verwechslungen zu vermeiden, entschieden wir uns für „Nice 2 Meet Myself“, eine Textzeile, die sich wie der perfekte Titel anfühlte. Wir haben das „(Bang Bang Bang)“ in Klammern gelassen, um an die ursprüngliche Idee anzuknüpfen.
CALE: Als es ans Einspielen des Gesangs ging, fiel mir der Buchrücken eines Buches in meinem Regal ins Auge: „How To Meet Yourself“ von Dr. Nicole LePera. Es ist so eine Art Selbsttherapie-Buch, das ich gekauft, aber nie gelesen habe, obwohl ich viel von ihrem Instagram-Account (@the.holistic.psychologist) mitgenommen habe. Ich bin mir ziemlich sicher, dass ihr jeder in meinem Bekanntenkreis folgt. Der Titel des Buches floss einfach in den Text ein: „I just want to say hi, it’s really nice to meet myself“, und den Rest des Songs habe ich um diese Idee herum geschrieben. Er knüpft ein bisschen an „Gravestone“ an. Ich fantasiere darüber, wie befreiend es wäre, wenn ich endlich herausfinden könnte, wie ich mir selbst nicht mehr im Weg stehe.
If You Want Me
CHRISTIAN: This is one of the earlier tracks we worked on for the record.
I had just come back from a trip to NYC, where I was hanging with a girl and that inspired me to start working on some music as soon as I got back home to Tulsa, Oklahoma.
Made a demo, and it was one of the first times I included vocals on a demo. I was tired of having music ideas without any voice, and honestly, it’s easier to arrange and get inspired when there’s some kind of vocal in the mix.
Somehow I was mumbling, then I realized I was actually saying “If you want me,” probably subconsciously referring to the girl I’d been hanging out with. I filtered and disguised the vocal as much as I could, but I was really excited about it and thought it could be a great track.
Cale was into it, and we worked on this one for a while, knowing right away it was probably going to be one of the first singles.
The track went through several arrangements. The original demo didn’t even have the chorus that’s there now; it had a non-lyrical hook instead. When we sent our demos to management to let them in on our progress with the album, we got this amazing voicemail from our manager, Sam Denniston, that we’ll have to share someday.
He gave us some critique by saying the song was great but missing that chorus we’re known for writing. Instead of brushing it off, we took it as a challenge and wrote the chorus you hear now. Big shout-out to Sam for that.
This one feels a bit more like classic Sports, if that means anything. It’s a feel-good dance-pop song. I’m really happy with how the drum programming turned out, and I love the West Coast synth Cale added at the end.
CALE: Yeah, Christian essentially handed me the song title and I just kind of ran with that. It felt like having the ending to a book, and having to work backwards and fill in the rest. I recorded vocals to this one like 10 times. I just really was trying to work out the attitude. When in doubt I just go breathy.
I hear it now as a song about maturation. I’ve been with the same girl since I was 16 and we’ve really had to grow up together. And as anyone in a long term relationship knows, your partner is the person who you’re going to address your childhood, your toxic traits, your real demons with. I didn’t really intentionally write this song about that, but that’s what I hear myself saying. “I’m ready to stop being a fucking child now”.
Ein erstes Mal
CHRISTIAN: Das ist einer der ersten Tracks, an denen wir für das Album gearbeitet haben.
Ich war gerade von einer Reise nach New York zurück, wo ich mit einem Mädchen Zeit verbracht hatte. Das inspirierte mich, direkt nach meiner Rückkehr nach Tulsa, Oklahoma, mit der Musik anzufangen.
Ich machte ein Demo. Es war eines der ersten Male, dass ich Gesang in ein Demo einbaute. Ich hatte es satt, Musikideen ohne Gesang zu haben, und ehrlich gesagt, ist es einfacher zu arrangieren und sich inspirieren zu lassen, wenn Gesang im Mix ist.
So nuschelte ich vor mich hin und merkte dann, dass ich eigentlich „If you want me“ sagte, wahrscheinlich unbewusst in Bezug auf das Mädchen, mit dem ich Zeit verbracht hatte. Ich filterte und verfremdete den Gesang so gut wie möglich, aber ich war total begeistert davon und dachte, es könnte ein großartiger Track werden.
Cale war auch begeistert, und wir arbeiteten eine Weile daran, da wir sofort wussten, dass es wahrscheinlich eine der ersten Singles werden würde.
Der Song durchlief mehrere Überarbeitungen. Die ursprüngliche Demo hatte noch nicht einmal den Refrain, der jetzt da ist; stattdessen gab es nur eine eingängige Melodie ohne Text. Als wir unsere Demos an unser Management schickten, um sie über den Fortschritt des Albums zu informieren, bekamen wir diese fantastische Voicemail von unserem Manager Sam Denniston, die wir unbedingt mal teilen müssen.
Er gab uns Feedback und meinte, der Song sei super, aber es fehle der Refrain, für den wir bekannt sind. Anstatt das einfach abzutun, nahmen wir es als Herausforderung an und schrieben den Refrain, den ihr jetzt hört. Ein großes Dankeschön an Sam dafür!
Dieser Song klingt ein bisschen mehr nach dem klassischen Sports-Sound, falls das überhaupt etwas bedeutet. Es ist ein richtig guter Dance-Pop-Song. Ich bin total zufrieden mit dem Drum-Programming und liebe den West-Coast-Synth, den Cale am Ende hinzugefügt hat.
CALE: Ja, Christian hat mir im Grunde den Songtitel gegeben und ich habe einfach drauflosgelegt. Es fühlte sich an, als hätte ich das Ende eines Buches und müsste den Rest rückwärts schreiben. Ich habe den Gesang bestimmt zehnmal aufgenommen. Ich habe einfach versucht, die richtige Stimmung zu finden. Wenn ich unsicher bin, singe ich einfach hauchig.
Ich höre es jetzt als ein Lied über das Erwachsenwerden. Ich bin seit meinem 16. Lebensjahr mit derselben Frau zusammen und wir sind wirklich gemeinsam erwachsen geworden. Und wie jeder in einer Langzeitbeziehung weiß, ist der Partner derjenige, mit dem man sich mit seiner Kindheit, seinen toxischen Eigenschaften und seinen wahren Dämonen auseinandersetzt. Ich habe das Lied nicht absichtlich darüber geschrieben, aber genau das höre ich mich sagen: „Ich bin bereit, endlich damit aufzuhören, ein verdammtes Kind zu sein.“
Magic Trick
CHRISTIAN: This one came together really fast. It started as a demo that Cale wrote on Twitch, actually. Then we started working on it at the studio and basically made it sound better, less like a demo. We replaced some sounds. I specifically remember spending time on the drum sounds, especially the snare; I wanted that crispy snare you hear on pop songs from the 90s and also Gorillaz tracks. Really happy with how they turned out.
The way the vocals are treated on this one is another highlight. I fell in love with this Antares plugin, Auto-Tune EFX+. Especially the doubler and tube module. Every time I put it on Cale’s voice, it brought the vocals to life and gave it this dimension and put it right into the world we were building. I love how fast this came together and can’t wait to play it live.
CALE: It was probably the most consistent I’ve ever been with writing, when we were on Twitch. Having an audience while writing was actually a lot cooler than I thought it would be. I thought it’d make me freeze up and be terrible, but it was the opposite. There was pressure to make sure I did something cool and not just give up after 15 minutes.
I was trying to capture a sort of Dr. Dre vibe. Very hard to do. But fun to see what actually happens when you attempt something so ambitious.
The idea was for it to be about being put under a spell. I love this one. Also, this is my wife’s favorite on the album.
Dr. Dre meets Gorillaz
CHRISTIAN: Das ging echt schnell. Es fing als Demo an, die Cale auf Twitch geschrieben hatte. Dann haben wir im Studio daran gearbeitet und es deutlich verbessert, sodass es nicht mehr so nach Demo klang. Wir haben einige Sounds ausgetauscht. Ich erinnere mich besonders daran, wie viel Zeit ich mit den Drum-Sounds verbracht habe, vor allem mit der Snare. Ich wollte diesen knackigen Snare-Sound, den man von Popsongs der 90er und auch von Gorillaz-Tracks kennt. Bin echt zufrieden mit dem Ergebnis.
Ein weiteres Highlight ist die Bearbeitung des Gesangs. Ich bin total begeistert von dem Antares-Plugin Auto-Tune EFX+. Vor allem vom Doubler und dem Tube-Modul. Jedes Mal, wenn ich es auf Cales Stimme angewendet habe, hat es den Gesang zum Leben erweckt, ihm Tiefe verliehen und ihn perfekt in die von uns erschaffene Welt integriert. Ich finde es super, wie schnell das Ganze entstanden ist und kann es kaum erwarten, es live zu spielen.
CALE: Ich war wahrscheinlich noch nie so konstant beim Songwriting, als wir auf Twitch waren. Vor Publikum zu schreiben war tatsächlich viel cooler, als ich erwartet hatte. Ich dachte, es würde mich blockieren und ich würde total schlecht sein, aber das Gegenteil war der Fall. Es war ein richtiger Druck, etwas Cooles zu schaffen und nicht nach 15 Minuten aufzugeben.
Ich habe versucht, so eine Art Dr.-Dre-Vibe einzufangen. Gar nicht so einfach. Aber es war spannend zu sehen, was passiert, wenn man so ein ambitioniertes Projekt angeht.
Die Idee war, dass es darum geht, verzaubert zu sein. Ich liebe diesen Song. Und er ist auch der Lieblingssong meiner Frau auf dem Album.
Jelly
CHRISTIAN: This is one of my favorites on the record for a couple of reasons. First, it feels very different from anything we’ve done before. Cale and I were both really into pop music at the time. I got really into A. G. Cook, which then led me to Charlie, and we were trying to create something where every sound feels really bold and the vocal just hits hard.
The song sounds like there’s a lot going on, but actually, it’s pretty sparse. Especially the chorus, where there’s this synth bass we call the “gaga bass” that really anchors the chorus.
This one was written on Twitch as well, I believe. Cale had some mumbled lyrics, and we learned pretty quickly that if he doesn’t write the lyrics down fast, the mumble sometimes becomes something we love and can’t replace. Luckily, he was able to figure out what he was trying to say, and the final lyrics ended up pretty close to the demo.
One of the coolest parts of the track is the bridge and outro. On this record, we really emphasized making the outros like scene changes that completely shift gears from the rest of the song. I remember Cale singing that lyric “Your song’s in my head,” which is such a sick phrase. I love the way it builds, and there’s something a bit Bono-like about it, which we really dig. Another track that we heavily leaned on that EFX+ plugin to get that vocal sound. This one ends with a motif that foreshadows the next track to seamlessly transition into. Almost like you get dropped into track 6 My Superstar.
CALE: We got super into U2 when we made this album. Specifically the Achtung Baby and Pop albums. And yeah, also just really trying to write a Lady Gaga type vocal over the whole thing. Just an earnest attempt at a real pop song.
Von U2 bis Lady Gaga
CHRISTIAN: Das ist einer meiner Lieblingssongs auf dem Album, und zwar aus mehreren Gründen. Erstens fühlt er sich ganz anders an als alles, was wir vorher gemacht haben. Cale und ich waren damals beide total auf Popmusik fixiert. Ich war total begeistert von A. G. Cook, was mich dann zu Charlie geführt hat, und wir wollten etwas kreieren, bei dem jeder Sound richtig druckvoll klingt und der Gesang richtig reinhaut.
Der Song klingt, als ob da viel los wäre, aber eigentlich ist er ziemlich minimalistisch. Besonders der Refrain, mit diesem Synth-Bass, den wir den „Gaga-Bass“ nennen, der den Refrain so richtig trägt.
Ich glaube, der Song ist auch auf Twitch entstanden. Cale hatte ein paar undeutliche Textzeilen, und wir haben ziemlich schnell gemerkt, dass das Gemurmel manchmal zu etwas wird, das wir lieben und nicht mehr ersetzen können, wenn er die Texte nicht schnell aufschreibt. Zum Glück konnte er herausfinden, was er eigentlich sagen wollte, und der finale Text ist dem Demo ziemlich ähnlich.
Einer der coolsten Teile des Tracks ist die Bridge und das Outro. Bei diesem Album haben wir besonders darauf geachtet, dass die Outros wie Szenenwechsel wirken und sich komplett vom Rest des Songs abheben. Ich erinnere mich, wie Cale die Zeile „Your song’s in my head“ gesungen hat – ein echt genialer Satz. Ich liebe den Spannungsaufbau, und er hat etwas von Bono, was uns total gefällt. Auch bei diesem Track haben wir stark auf das EFX+-Plugin gesetzt, um diesen Gesangssound zu erzielen. Er endet mit einem Motiv, das den nächsten Track ankündigt und nahtlos in ihn überleitet. Fast so, als würde man direkt in Track 6, „My Superstar“, hineingeworfen.
CALE: Wir haben uns während der Aufnahmen zu diesem Album total auf U2 konzentriert. Vor allem auf die Alben „Achtung Baby“ und „Pop“. Und ja, wir haben auch versucht, einen Gesang im Stil von Lady Gaga zu schreiben. Einfach ein ernsthafter Versuch, einen richtigen Popsong zu machen.
My Superstar
CHRISTIAN: I remember one day we were leaving the studio and Cale sat down at the piano, saying, “Oh, I had this idea.” He played the chords and had either the lead line or some lyrics already. I was like, “Oh yeah, we should definitely work on that one.”
The track starts with that lead sound, a ping that’s a little homage to the Dr. Dre and Snoop Dogg vibe. To not rip it completely, we added the vocals singing the same melody. This song took a bit of time to nail down. We had this arrangement but weren’t sure how we wanted to end it. I was messing around again with the concept of a scene change, just trying to switch things up. I had tracked some new chords for the outro to reharm it a bit, not sure if it was too far from the vibe of the track, but Cale was into it. It allowed us to switch up the structure and keep the song moving and interesting for the listener. This is my dad’s favorite on the album. S/O Dad
CALE: When I get stuck with lyrics, I’ll hit up my friend, Costa Upson, to help me finish them.
I had the song title and I had the first line ready – “You don’t see me anymore. You’re too busy…” and we somehow got to “you’re too busy drinking, sweet Juliet”
And we were like, yeah Romeo and Juliet. So we kinda grabbed some lines from my man Shakespeare to sprinkle throughout the song.
I feel like every artist reaches a point in their career where they write a Romeo and Juliet song.
Der Romeo-und-Julia-Song
CHRISTIAN: Ich erinnere mich, dass wir eines Tages das Studio verließen und Cale sich ans Klavier setzte und sagte: „Hey, ich hatte da so eine Idee.“ Er spielte die Akkorde und hatte entweder schon die Melodie oder einen Text. Ich meinte: „Ja, da sollten wir unbedingt weiterarbeiten.“
Der Track beginnt mit diesem Melodie-Sound, einem kurzen Ping, der eine kleine Hommage an den Sound von Dr. Dre und Snoop Dogg ist. Um den Sound nicht komplett zu kopieren, haben wir den Gesang mit der gleichen Melodie hinzugefügt. Es hat eine Weile gedauert, bis der Song richtig stand. Ich erinnere mich, dass wir dieses Arrangement hatten, aber uns nicht sicher waren, wie wir ihn beenden sollten.
Wieder habe ich mit dem Konzept eines Szenenwechsels herumexperimentiert, einfach um etwas Abwechslung zu schaffen. Ich hatte neue Akkorde für das Outro aufgenommen, um es etwas umzuharmonisieren. Dabei war ich mir nicht sicher, ob es zu weit vom Rest des Tracks entfernt war, aber Cale war begeistert. Dadurch konnten wir die Struktur verändern und den Song dynamisch und interessant für den Hörer halten. Das ist der Lieblingssong meines Vaters auf dem Album. Grüße an Papa!
CALE: Wenn ich bei den Texten nicht weiterkomme, frage ich meinen Freund Costa Upson, ob er mir hilft, sie fertigzustellen.
Ich hatte den Songtitel und die erste Zeile schon fertig: „Du siehst mich nicht mehr. Du bist zu beschäftigt …“ und irgendwie kamen wir dann zu „Du bist zu beschäftigt mit Trinken, süße Julia“.
Und wir dachten: Ja, Romeo und Julia. Also haben wir uns ein paar Zeilen von meinem Lieblings-Shakespeare geschnappt und sie im Song verteilt.
Ich glaube, jeder Künstler kommt irgendwann in seiner Karriere an einen Punkt, an dem er einen Romeo-und-Julia-Song schreibt.
Keep Falling In Love
CHRISTIAN: Track eight, “Keep Falling In Love,” is like the side B opener on the record. It starts with that drum fill, which is such a cool way to flip the vinyl and feel like you’re stepping into a brand new scene.
The majority of this song was recorded in Brighton while we were visiting our management in the UK. We got the chance to record at Salvation Studios, which is right by the beach there. This was in February, during the Super Bowl. Because of the time difference, I remember staying up until around 2 a.m. the night before even though we had to be up early to catch the train to Brighton. At first, we weren’t even sure if we wanted to go to the studio and kept asking ourselves, “What are we going to do?” But since we were there, we just decided to go for it.
The studio itself was amazing, and the engineer was super cool. S/O Jake Stainer! We spent the first hour just talking, getting to know each other, and chatting about the differences between America and the UK. Cale had this demo already, and I clearly remember hearing the lyrics for the first time while he was in the booth and I was at the console. He started singing “keep falling in love,” and I remember looking at the engineer thinking, “I can’t believe I’m hearing another song about love, but it feels brand new.”
Most of the track was recorded at Salvation Studios in Brighton. Later, we took it back to our studio in Tulsa and added a few more elements, but the vibe was really captured at Salvation.
We used this incredible vintage EMT plate reverb on the vocals and tracked them through an amazing vocal. Vintage CMV-563 (the Radiohead from the basement mic) going into a vintage V76 preamp and a vintage 1176 compressor. For all the gear heads out there! I think that helped us capture the Motown feel. I don’t think it really takes having vintage gear to record a great song, but when you do have the ability to, there is something you just can’t put words to that comes out of using vintage gear from that era.
CALE: Again, I’ve been with Bailey since I was 16 and this song came out of me just as a tribute to that. You have to keep falling in love with someone when you’ve been together for so long because you just naturally change as people over time. You have to keep choosing each other.
„Cooler Einstieg in die B-Seite“
CHRISTIAN: Track acht, „Keep Falling In Love“, ist wie der Opener der B-Seite. Er beginnt mit diesem Drumfill – ein echt cooler Einstieg, um die Vinyl umzudrehen und sich wie in eine völlig neue Welt zu fühlen.
Der Großteil des Songs entstand in Brighton, als wir unser Management in Großbritannien besuchten. Wir hatten die Gelegenheit, in den Salvation Studios direkt am Strand aufzunehmen. Das war im Februar, während des Super Bowls. Wegen der Zeitverschiebung erinnere ich mich, dass ich die Nacht zuvor bis etwa 2 Uhr morgens wach blieb, obwohl wir früh aufstehen mussten, um den Zug nach Brighton zu erwischen. Anfangs waren wir uns gar nicht sicher, ob wir überhaupt ins Studio wollten und fragten uns ständig: „Was machen wir bloß?“ Aber da wir nun mal da waren, beschlossen wir einfach, es zu wagen.
Das Studio selbst war fantastisch und der Toningenieur super. Grüße an Jake Stainer! Die erste Stunde verbrachten wir damit, uns zu unterhalten, uns kennenzulernen und über die Unterschiede zwischen Amerika und Großbritannien zu plaudern. Cale hatte diese Demo schon, und ich erinnere mich noch genau, wie ich den Text zum ersten Mal hörte, als er in der Gesangskabine war und ich am Mischpult. Er fing an zu singen: „Keep falling in love“, und ich weiß noch, wie ich den Toningenieur ansah und dachte: „Ich kann es nicht fassen, dass ich schon wieder ein Lied über die Liebe höre, aber es fühlt sich total neu an.“
Der Großteil des Tracks wurde in den Salvation Studios in Brighton aufgenommen. Später nahmen wir ihn in unserem Studio in Tulsa auf und fügten noch ein paar Elemente hinzu. Aber die Atmosphäre wurde in Salvation wirklich perfekt eingefangen.
Wir verwendeten diesen unglaublichen Vintage-EMT-Plattenhall für den Gesang und nahmen ihn über ein fantastisches Gesangsmikrofon auf: ein Vintage CMV-563 (das Radiohead-Mikrofon aus dem Keller), das in einen Vintage-V76-Vorverstärker und einen Vintage-1176-Kompressor ging. Für alle Technikbegeisterten da draußen! Ich denke, das hat uns geholfen, das Motown-Feeling einzufangen. Ich glaube nicht, dass man unbedingt Vintage-Equipment braucht, um einen großartigen Song aufzunehmen. Aber wenn man die Möglichkeit dazu hat, entsteht durch die Verwendung von Vintage-Equipment aus dieser Zeit etwas ganz Besonderes, das man kaum in Worte fassen kann.
CALE: Ich bin seit meinem 16. Lebensjahr mit Bailey zusammen, und dieser Song ist als Hommage an sie entstanden. Man muss sich immer wieder neu in jemanden verlieben, wenn man so lange zusammen ist, denn man verändert sich mit der Zeit ganz natürlich. Man muss sich immer wieder füreinander entscheiden.
DFAM
CHRISTIAN: This one started as a demo from Cale, and we pretty much kept the same arrangement throughout. We already had a world created for the record, so the goal was to fit the track into that world and punch up the sounds.
I remember when we were tracking the lead line motif, we tried different approaches to get the right sound. At one point, both of us played it together to add this live-in-the-room feel.
We also had a drum kit set up in the studio, and I asked Cale to just get on the kit and play some fills. One of the fills he played is the one that leads into the outro. I remember thinking, “Whoa, that was sick.” It was kind of a Ringo-style fill. When we were listening back to the takes, that one I was like, “Yeah, we’re definitely keeping this.”
CALE: Wrote this about being on tour. I get such a knot in my stomach when I think about being away from my wife for so long. Hate it. That we are forced to be disconnected and to have to live our own lives with out each other. To get used to not being around each other. It sucks. I was imagining her changing in simple ways without me.. Like not drinking coffee anymore. Or being in the car listening to new music, sleeping at night with the bed to herself.. getting used to me not being around.
„Echt krass“
CHRISTIAN: Das hier begann als Demo von Cale, und wir haben das Arrangement im Großen und Ganzen beibehalten. Wir hatten bereits eine Klangwelt für das Album geschaffen, also ging es darum, den Track in diese Welt einzufügen und den Sound aufzupeppen.
Ich erinnere mich, als wir das Lead-Motiv aufnahmen, haben wir verschiedene Ansätze ausprobiert, um den richtigen Sound zu finden. Irgendwann haben wir es beide zusammen gespielt, um diesen Live-im-Raum-Charakter zu erzeugen.
Wir hatten auch ein Schlagzeug im Studio aufgebaut, und ich bat Cale, sich einfach ans Schlagzeug zu setzen und ein paar Fills zu spielen. Eines der Fills, die er spielte, leitet zum Outro über. Ich erinnere mich, dass ich dachte: „Wow, das war echt krass.“ Es war so ein Ringo-Style-Fill. Als wir uns die Takes anhörten, dachte ich: „Ja, das behalten wir definitiv.“
CALE: Ein Song über das Tourneen. Ich bekomme immer ein flaues Gefühl im Magen, wenn ich daran denke, so lange von meiner Frau getrennt zu sein. Das hasse ich. Dass wir gezwungenermaßen getrennt sind und unsere eigenen Leben ohne einander führen müssen. Dass wir uns daran gewöhnen müssen, uns nicht immer um uns zu haben. Das ist scheiße. Ich habe mir vorgestellt, dass sie sich ohne mich um sie herum leicht verändert. Plötzlich aufhört, Kaffee zu trinken. Im Auto neue Musik hört. Nachts allein im Bett schläft. Und sich daran gewöhnt, dass ich nicht da bin.
Drama King
CHRISTIAN: This song was written in January 2024. New Year, new setup!
We actually moved into our studio space in July 2023. At first, the studio was set up with all the instruments in the center of the room, kind of like a revolving in-the-round setup. It sounded cool in theory and looked cool, but it wasn’t ideal for finishing the album.
I had the idea to rearrange the studio for the new year, just to switch things up and get ready to finish the record. I moved everything into a more traditional setup. This was day one of the new setup, and we decided to just try and write a new song. I picked up the guitar and started chugging on some chords. Cale was messing around with a lead line. We tracked the song pretty fast, including the vocals; we didn’t want to overthink it or let it sit too long.
Cale spit out some lyrics really quickly, and the song came together fast.
Another cool thing about this track is the piano. We had a piano in the studio, and it was such a vital way to hear the song in a stripped setting but also as a production tool to add some human playing in the room with mics. Just to get out of the box for a second. That changed the whole feel of the song. It made it more real. Can’t wait to play this one live.
CALE: I never had an intention for what this song should be. I just stream of conscious said whatever came to my mind while I was holding the mic. I didn’t wanna know what it was about. Just wanted to let my subconscious thoughts through. They ended up e being my favorite lyrics though. It feels like it’s just about all this worrying I always do. I’ve had a pretty bad anxiety disorder since I was 16, maybe even younger. It sounds like that’s just coming out in the song.
My favorite lyric from the whole album is on this song.
“You must be playing secret chords that please the Lord”
Really encapsulates my jealousy for confident people.
Neues Jahr, neues Setup!
CHRISTIAN: Dieser Song entstand im Januar 2024. Neues Jahr, neues Setup!
Wir sind eigentlich schon im Juli 2023 in unser Studio umgezogen. Anfangs standen alle Instrumente in der Mitte des Raumes, so eine Art drehbares Rundstudio. Das klang in der Theorie cool und sah auch cool aus, war aber nicht ideal, um das Album fertigzustellen.
Ich hatte die Idee, das Studio für das neue Jahr umzugestalten, einfach mal was Neues auszuprobieren und die Platte fertigzustellen. Ich habe alles in ein traditionelleres Setup gebracht. Das war der erste Tag im neuen Setup, und wir beschlossen, einfach einen neuen Song zu schreiben. Ich nahm die Gitarre und legte los mit ein paar Akkorden. Cale bastelte an einer Lead-Melodie herum. Wir haben den Song ziemlich schnell aufgenommen, inklusive Gesang; wir wollten nicht zu viel darüber nachdenken oder ihn zu lange ruhen lassen.
Cale sprudelte nur so vor Textzeilen, und der Song war schnell fertig.
Eine weitere coole Sache an diesem Track ist das Klavier. Wir hatten ein Klavier im Studio, und es war unglaublich wichtig, den Song in einer reduzierten Version zu hören, aber auch als Produktionswerkzeug, um mit Mikrofonen etwas menschliches Spiel in den Raum zu bringen. Einfach mal kurz aus dem Schema raus. Das hat die ganze Stimmung des Songs verändert. Es hat ihn authentischer gemacht. Ich kann es kaum erwarten, ihn live zu spielen.
CALE: Ich hatte nie eine Vorstellung davon, wie dieser Song sein sollte. Ich habe einfach drauflosgeredet, was mir in den Sinn kam, während ich das Mikrofon in der Hand hielt. Ich wollte gar nicht wissen, worum es geht, sondern einfach meine unterbewussten Gedanken rauslassen. Letztendlich sind es aber meine Lieblingszeilen geworden. Es fühlt sich an, als ginge es einfach um all die Sorgen, die ich ständig mache. Ich habe seit meinem 16. Lebensjahr, vielleicht sogar noch früher, eine ziemlich schwere Angststörung. Es klingt, als ob das im Song einfach zum Vorschein kommt.
Meine Lieblingszeile vom ganzen Album ist in diesem Song.
“You must be playing secret chords that please the Lord”
Das bringt meine Eifersucht auf selbstbewusste Menschen perfekt zum Ausdruck.
Stay Mad
CHRISTIAN: It started as a demo Cale had, and we originally wrote a version of it on Twitch. That version was a bit more ’80s sounding—hard to describe exactly—but it had a different vibe. We should share it someday.
As we were finishing up the record, I was thinking we were missing a certain vibe for the record. One day, I came into the studio, muted everything, and decided to try something completely new.
Sometimes I worry about shaking things up like that because I’m not sure how attached Cale might be to the original version, but he was really open to it, so we went with the new direction.
This one definitely shows some influence from A. G. Cook. I was inspired by his song “Official”—not in terms of instrumentation, but the overall feeling. It’s about what’s happening in the song emotionally.
The track also features the same kind of scene change outro that we used on a few songs throughout the record. I remember when Cale sang the bridge lyrics for the first time. It’s one of his most straightforward and emotional moments.
The way that builds is really powerful.
We also had our friend Sam Westhoff play some banjo to add a different texture to the instrumentation, which really switches things up and adds this vulnerability to the outro.
CALE: I wrote this song when I did that Ryan Tedder songwriting class on Studio.com. It was during the pandemic. I don’t know why I felt like I needed to take that course but it was really cool to just see how a hitmaker does it.
We did end up making this dancier melancholy version, but we came back to the idea I originally wrote. Just a soft sad song. The album needed that anyway.
The song is obviously about a fight. But you know, it’s really about love. Cause it’s saying I’m not going anywhere, no matter what.
Von A.G. Cook beeinflusst
CHRISTIAN: Es begann mit einer Demo von Cale, und wir hatten ursprünglich eine Version davon auf Twitch aufgenommen. Diese Version klang etwas mehr nach den 80ern – schwer zu beschreiben –, aber sie hatte eine andere Stimmung. Wir sollten sie mal veröffentlichen.
Als wir die Platte fertigstellten, dachte ich, dass uns noch etwas fehlte. Eines Tages kam ich ins Studio, schaltete alles stumm und beschloss, etwas ganz Neues auszuprobieren.
Manchmal mache ich mir Sorgen, wenn ich so etwas ändere, weil ich nicht weiß, wie sehr Cale an der Originalversion hängt, aber er war sehr aufgeschlossen, also schlugen wir die neue Richtung ein.
Dieser Song ist definitiv von A. G. Cook beeinflusst. Ich wurde von seinem Song „Official“ inspiriert – nicht von der Instrumentierung, sondern vom Gesamtgefühl. Es geht um die emotionale Wirkung des Songs.
Der Track hat außerdem das gleiche Outro mit Szenenwechsel, das wir auch in einigen anderen Songs der Platte verwendet haben. Ich erinnere mich noch, als Cale die Bridge zum ersten Mal sang. Es ist einer seiner direktesten und emotionalsten Momente.
Der Spannungsaufbau ist wirklich beeindruckend.
Unser Freund Sam Westhoff spielte außerdem Banjo, um der Instrumentierung eine andere Klangfarbe zu verleihen. Das bringt Abwechslung und eine besondere Verletzlichkeit ins Outro.
CALE: Ich habe diesen Song während des Songwriting-Kurses von Ryan Tedder auf Studio.com geschrieben. Das war mitten in der Pandemie. Ich weiß nicht, warum ich den Kurs unbedingt machen musste, aber es war total spannend zu sehen, wie ein Hitproduzent arbeitet.
Wir haben dann zwar eine tanzbarere, melancholische Version gemacht, sind aber zu meiner ursprünglichen Idee zurückgekehrt. Einfach ein sanftes, trauriges Lied. Das Album brauchte so etwas sowieso.
Der Song handelt offensichtlich von einem Streit. Aber eigentlich geht es um Liebe. Denn er sagt: Ich gehe nirgendwo hin, egal was passiert.
I Can’t Cry
CHRISTIAN: Another older demo Cale had that had a totally different feel. Similar thought process to Stay Mad, we wanted a track for the album that we could just cruise on for a bit. Not thinking about it being a single, needing to fit in a tight 3 min. Inspired by how War on Drugs just will jam once it feels good. I’ve thought of this song as our festival song. When we scream “Coachella or Glastonbury are you ready” pyro goes off. Maybe one day! Love the juxtaposition of how this song sounds vs the lyrical theme.
CALE: I am sure there are others out there who can relate, but I’ve found during the worst moments of my life, I can’t really cry. I can’t really feel sadness. I just feel fear or numbness. No Idea if it’s a survival instinct, or the way society has raised boys to view crying as weakness, but maybe we got a lot of men now that can’t cry. And crying releases trauma, and that shit has to come out.. usually in the form of anger. The boys gotta learn to cry. I’ve tried to let myself cry more. When I do it is absolutely disgusting. Like SpongeBob levels over something silly like watching the Golden Bachelor. I wanna see some crying when we play this live.
Von War on Drugs inspiriert
CHRISTIAN: Eine ältere Demo von Cale, die sich ganz anders anfühlte. Ähnlich wie bei „Stay Mad“ wollten wir einen Song fürs Album, zu dem wir einfach entspannt chillen konnten. Wir dachten nicht daran, dass er als Single veröffentlicht werden sollte und in knappe drei Minuten passen müsste. Inspiriert davon, wie War on Drugs einfach drauflosjammen, wenn es sich gut anfühlt. Ich habe mir diesen Song als unseren Festival-Song vorgestellt. Wenn wir „Coachella oder Glastonbury, seid ihr bereit?“ rufen, zünden wir Pyrotechnik. Vielleicht klappt es ja eines Tages! Ich liebe den Kontrast zwischen dem Sound des Songs und dem Text.
CALE: Ich bin sicher, es gibt andere, die das nachvollziehen können, aber ich habe festgestellt, dass ich in den schlimmsten Momenten meines Lebens nicht wirklich weinen kann. Ich kann keine Traurigkeit empfinden. Ich spüre nur Angst oder Gefühllosigkeit. Keine Ahnung, ob es ein Überlebensinstinkt ist oder ob die Gesellschaft Jungen beigebracht hat, Weinen als Schwäche anzusehen, aber vielleicht gibt es heutzutage viele Männer, die nicht weinen können. Weinen löst Traumata, und der ganze Mist muss raus – meistens in Form von Wut. Die Jungs müssen lernen zu weinen. Ich habe versucht, mir selbst mehr zu erlauben zu weinen. Wenn ich es tue, ist es einfach nur widerlich. So richtig zum Heulen, wie SpongeBob, wegen so einer Kleinigkeit wie „Der Bachelor“. Ich will ein paar Tränen sehen, wenn wir das live spielen.
Metaphors
CHRISTIAN: We worked on this one pretty early on. Cale had the demo and when I heard it I just heard it in a different light. We sampled Cale’s voice with our Korg DSS for the vocal pad, which then got us on this sampling kick. I asked Cale if he had any voice memos that would be cool to sample. He recorded his windshield wipers in the rain. After we had those two elements the song came together fairly quickly. I can’t remember exactly but I think the vocals are the first take. Maybe with a few overdubs here and there. But the first take just captured the feeling of the song so well and it was just so hard to beat.
I also remember Cale was messing with an arp sound on the Trigon. We both thought that would be a really nice way to start the song. To me it felt like the final chapter of the album. This was a contender to start the album for a bit but once we added that arp up we tried sequencing it at the end and love how it sums up the album and hopefully leaves the listener wanting more.
CALE: Actually, this song is my favorite, lyrically. It might be one of my favorite Sports songs ever. It’s a rare one where the lyrics came before any of the music. If I heard someone say “I’ve been looking for metaphors for our love to know it’s true” I would be so jealous. You can take it several ways.. but to me it’s a moment of doubt. Trying to contextualize your relationship, comparing it to what you see in movies, or your ability to say something poetic as a metric for how much you love someone.. trying to put language to something that doesn’t need it. and ending it, ending the whole album with “all I know is that I love you”. It’s true and it’s the only thing I really know.
Das letzte Kapitel
CHRISTIAN: Wir haben ziemlich früh an dem Song gearbeitet. Cale hatte die Demo, und als ich sie hörte, nahm ich sie mit ganz anderen Augen wahr. Wir haben Cales Stimme mit unserem Korg DSS für den Vocal-Pad gesampelt, und das hat uns dann richtig auf den Sampling-Trip gebracht. Ich fragte Cale, ob er Sprachmemos hätte, die sich gut zum Samplen eignen würden. Er nahm seine Scheibenwischer im Regen auf. Nachdem wir diese beiden Elemente hatten, nahm der Song ziemlich schnell Gestalt an. Ich kann mich nicht mehr genau erinnern, aber ich glaube, der Gesang ist der erste Take. Vielleicht mit ein paar Overdubs hier und da. Aber der erste Take hat die Stimmung des Songs einfach so gut eingefangen, dass er kaum zu übertreffen war.
Ich erinnere mich auch, dass Cale mit einem Arpeggio-Sound auf dem Trigon herumexperimentierte. Wir fanden beide, dass das ein richtig schöner Einstieg in den Song wäre. Für mich fühlte es sich wie das letzte Kapitel des Albums an. Das war eine Zeit lang ein Kandidat für den Album-Opener, aber nachdem wir das Arpeggio hinzugefügt hatten, haben wir es ans Ende gesetzt und finden, dass es das Album perfekt zusammenfasst und hoffentlich Lust auf mehr macht.
CALE: Textlich ist dieser Song tatsächlich mein Favorit. Er ist vielleicht sogar einer meiner Lieblingssongs von Sports überhaupt. Es ist einer der seltenen Songs, bei denen der Text vor der Musik entstanden ist. Wenn ich jemanden sagen hören würde: „Ich habe nach Metaphern für unsere Liebe gesucht, um zu wissen, dass sie wahr ist“, wäre ich total neidisch. Man kann es auf verschiedene Weise interpretieren. Aber für mich ist es ein Moment des Zweifels. Der Versuch, die eigene Beziehung einzuordnen, sie mit dem zu vergleichen, was man in Filmen sieht, oder die Fähigkeit, etwas Poetisches zu sagen, als Maßstab für die eigene Liebe zu nehmen. Der Versuch, etwas in Worte zu fassen, das keine braucht. Und dann endet es, das ganze Album, mit „Alles, was ich weiß, ist, dass ich dich liebe“. Es ist wahr, und es ist das Einzige, was ich wirklich weiß.
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