Ein Album als Soundtrack eines emotionalen Ausnahmezustands. So kann man „Chin Up Buttercup“, die neue Platte von Katie Stelmanis alias Austra, vielleicht am besten beschreiben. Stelmanis verarbeitet auf den neuen Songs eine Trennung, die so abrupt kam wie ein Stromausfall. Ihre langjährige Partnerin verließ sie im Frühling 2020 mit einem einzigen Satz. Dann kam Corona. Innerhalb eines Tages musste Stelmanis London verlassen, zurück nach Kanada, allein. Das Ergebnis: depressive Lähmung, Stillstand. Und irgendwann: Texte, zuerst Wut, dann Schmerz. Am Ende wurden daraus Songs. Liebeskummer, zu denen man auch wunderbar tanzen kann. Reinhören lohnt sich – und reinlesen, und zwar in diese My-Soundtrack-Ausgabe, die wir mit der Musikerin auf die Beine gestellt haben.
Termine
08.03.2026 Mojo Club – Hamburg
12.03.2026 Kesselhaus – Berlin
17.03.2026 Technikum – München
18.03.2026 Club Bahnhof Ehrenfeld – Köln
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Cher – Believe
I love the moment of a song transitioning from “joke” to “genius.” Having been around 12 when this came out, I thought it was extremely cringe at the time and hated the auto-tune. It was the kind of thing I’d hear on the radio and plug my ears. However, at some point my perception of this track changed. I started DJing it in 2020 after going through a bad breakup and now whenever I hear it, it fills me with joy and I can’t help loudly singing along. Maybe it’s because I have better taste in music now than when I was 12. Or maybe it’s because the lyrics speak to me in a different way. But either way this song is indisputably genius. And I hope it gets played at my funeral.
Ich liebe den Moment, wenn ein Song vom Status „Witz“ zu „genial“ wechselt. Als er rauskam, war ich ungefähr zwölf und fand ihn damals total peinlich. Ich hasste den Autotune. Sowas hörte ich im Radio und hielt mir die Ohren zu. Aber irgendwann änderte sich meine Meinung. 2020, nach einer schlimmen Trennung, fing ich an, ihn aufzulegen. Und jetzt, jedes Mal, wenn ich ihn höre, bin ich voller Freude und singe laut mit. Vielleicht habe ich heute einen besseren Musikgeschmack als mit zwölf. Oder vielleicht berühren mich die Texte einfach anders. Wie dem auch sei, dieser Song ist unbestreitbar genial. Ich hoffe, er wird auf meiner Beerdigung gespielt.
Madonna – The Power of Goodbye
„Ray of Light“ is another album I thought was absolutely terrible when it first came out and now I think it’s genius. I lumped it in with a lot of commercial pop music of that era without paying attention to the intricacies that make this album great. It was produced by Willian Orbit who was a relatively unknown producer when Madonna asked him to collaborate. They ended up making the whole thing together over a period of around 4 months. Which is incredibly short for a pop album of this scale.
The whole thing was made using a couple drum machines, a Juno 106 and a Korg MS-20. I’ve read interviews with Orbit about his experience working with Madonna and he always praises her for her unparalleled artistry. He talks about how she made a very specific point of making sure not to “over-cook” anything they were working on, and that’s why Ray of Light feels so free, loose, and imperfect. In an era of highly-polished pop, this was a revolutionary approach. I can’t really choose a song but I decided on the Power of Goodbye because I used to cover it back in 2015 or so at the request of my former gay keyboard player Ryan, who understood the whole time the album was perfect. (Gay is important because the gays always knew).
Ich dachte erst: furchtbar!
„Ray of Light“ ist ein weiteres Album, das ich bei seinem Erscheinen absolut furchtbar fand, heute aber genial finde. Ich habe es damals einfach mit dem ganzen kommerziellen Pop der Zeit in einen Topf geworfen. Ohne die Feinheiten zu bemerken, die dieses Album so großartig machen. Produziert wurde es von William Orbit, der damals noch relativ unbekannt war, als Madonna ihn um eine Zusammenarbeit bat. Sie produzierten das Album schließlich in nur etwa vier Monaten. Unglaublich kurz für ein Popalbum dieser Größenordnung. Dafür verwendeten sie lediglich zwei Drumcomputer, einen Juno 106 und einen Korg MS-20.
Ich habe Interviews mit Orbit über seine Zusammenarbeit mit Madonna gelesen, und er lobt sie immer wieder für ihre unvergleichliche Kunstfertigkeit. Er erzählt, wie sehr sie darauf achtete, nichts zu überarbeiten. Und genau deshalb wirkt „Ray of Light“ so frei, ungezwungen und unperfekt. In einer Zeit hochglanzpolierter Popmusik war das ein revolutionärer Ansatz. Ich kann mich eigentlich nicht für ein Lied entscheiden, aber ich habe mich für „The Power of Goodbye“ entschieden, weil ich es um 2015 herum auf Wunsch meines ehemaligen, schwulen Keyboarders Ryan gecovert habe, der die ganze Zeit verstand, dass das Album perfekt war. (Schwul ist wichtig, weil die Schwulen es immer wussten).
Aya – The Only Solution I have Found is to Simply Jump Higher
Aya is one of my favourite producers at the moment and i’ve listened to this song in particular from her first record dozens of times. I was so transfixed by the synths I became sort of obsessed with learning how she made it, which was actually using only the Native Instruments plug-in Massive X. I found that very cool because it’s a pretty common soft-synth and somewhat affordable, though I will not say it is particularly easy to use. She also recommended a few bit-crusher (Hello Devastor 2) plugins which I subsequently bought and became pretty addicted to. So I can confidently say without hearing Aya’s brilliant record my extremely different sounding album would not sound the same as it does without Aya’s influence.
Aya ist momentan eine meiner Lieblingsproduzentinnen. Ich habe diesen Song von ihrem ersten Album schon dutzende Male gehört. Die Synthesizer haben mich so fasziniert, dass ich unbedingt wissen wollte, wie sie ihn gemacht hat – und zwar ausschließlich mit dem Native Instruments Plugin Massive X. Das fand ich echt cool, weil es ein ziemlich verbreiteter und relativ günstiger Softsynth ist. Auch wenn er nicht gerade einfach zu bedienen ist. Sie hat mir außerdem ein paar Bitcrusher-Plugins empfohlen (Hallo Devastor 2!), die ich mir dann gekauft habe und von denen ich ziemlich begeistert bin. Ich kann also mit Sicherheit sagen: Ohne Ayas geniales Album würde mein Album, das so ganz anders klingt, nicht so klingen, wie es ohne ihren Einfluss ist.
Vangelis – Blade Runner (Music from the original soundtrack) – Rachel’s Song
While making Chin Up Buttercup I got really into film scores after being invited to score an old friend’s Television Series and Feature film for CBC Canada. I’d never scored before and was really nervous about it so started collecting some well-known scores to listen to for inspiration. Vangelis’ Score for Blade Runner was one of them. It’s a wonderful balance of synthesizers and acoustic instruments with classical/folk singing that feels free, completely off the grid and eerie. I love Rachel’s song which is sung by the uncredited Mary Hopkin who is a Welsh folk singer.
Während der Arbeiten an „Chin Up Buttercup“ entdeckte ich meine Leidenschaft für Filmmusik, nachdem ich eingeladen worden war, die Musik für die Fernsehserie und den Spielfilm eines alten Freundes für CBC Canada zu komponieren. Ich hatte zuvor noch nie Filmmusik geschrieben und war ziemlich nervös. Also begann ich, mir bekannte Soundtracks anzuhören, um mich inspirieren zu lassen. Vangelis’ Soundtrack zu „Blade Runner“ war einer davon. Er bietet eine wunderbare Balance aus Synthesizern und akustischen Instrumenten mit klassischem/folkloristischem Gesang und wirkt dabei frei, völlig unkonventionell und geheimnisvoll. Ich liebe Rachels Song, das von der ungenannten walisischen Folksängerin Mary Hopkin gesungen wird.
Project Sound – Sweet in the Morning
I’m pulling this song from the Octo Octa and Eris Drew Fabric Presents Album. I’m choosing this track because I DJ it all the time, and when I do I’m very conscious of how it ended up in my record collection, that is via the meticulously curated collection of Octo Octa and Eris Drew. I love this album because not only does it feature some of my favourite original tracks by the two of them, it also features some late 90s house music selections that the couple often feature in their electrifying, joyful, DJ sets. So it’s the best of both worlds: their own work, and a small sample of what it’s like to be transfixed by two of the most important house music DJs of the moment. Octo Octa and Eris Drew are a trans couple whose love and optimism radiates through all their musical ventures, a radiance we need urgently today.
Ich greife auf diesen Song aus dem Album „Fabric Presents“ von Octo Octa und Eris Drew zurück. Den Track wähle ich, weil ich ihn ständig auflege und mir dabei immer bewusst bin, wie er in meine Plattensammlung gelangt ist – nämlich durch die sorgfältig zusammengestellte Sammlung von Octo Octa und Eris Drew. Ich liebe dieses Album, weil es nicht nur einige meiner Lieblings-Originaltracks der beiden enthält, sondern auch einige House-Tracks der späten 90er, die das Paar oft in seinen mitreißenden, fröhlichen DJ-Sets spielt. Es vereint also das Beste aus beiden Welten: ihre eigenen Werke und einen kleinen Vorgeschmack darauf, wie es ist, von zwei der wichtigsten House-DJs der Gegenwart gefesselt zu sein. Octo Octa und Eris Drew sind ein Trans-Paar, dessen Liebe und Optimismus in all ihren musikalischen Projekten durchscheinen – eine Strahlkraft, die wir heute dringend brauchen.
Bonus
ABBA – Should I Laugh or Cry
When my co-producer Kieran and I started working on music together we shared a lot of songs back and forth and I was really surprised to learn about his love of folk music and traditional song writing. He played me this song by ABBA which I’d never heard before and I became transfixed. It’s not quite as bubbly as their more popular work but there is something devastating about the opening melody I cannot get enough of. It feels like a masterclass in melody writing and chord structures while feeling completely effortless. I wish ABBA had made dozens more records and ventured even deeper into this style of music making but I hear the beginnings of a weirdness we’re just starting to scratch the surface of with this track.
Als mein Co-Produzent Kieran und ich anfingen, gemeinsam Musik zu machen, tauschten wir viele Songs aus. Ich war wirklich überrascht, von seiner Liebe zur Folkmusik und zum traditionellen Songwriting. Er spielte mir einen ABBA-Song vor, den ich noch nie gehört hatte. Ich war sofort gefesselt. Er ist nicht ganz so beschwingt wie ihre bekannteren Stücke, aber die Anfangsmelodie hat etwas Erschütterndes, von dem ich nicht genug bekommen kann. Sie wirkt wie eine Meisterklasse in Melodiegestaltung und Akkordstrukturen und dabei völlig mühelos. Ich wünschte, ABBA hätte noch Dutzende Alben mehr aufgenommen und diesen Musikstil noch tiefer erforscht. Aber ich höre hier die Anfänge einer eigentümlichen Welt, deren Potenzial wir mit diesem Stück gerade erst erahnen.
YuSu + Frances Inferno Orchestra + YUF-O – Do You Ever D.R.E.A.M. of Flying
This is from the collaborative album „You Eff Oh“ by the artists above. I’m aware of it because I love YuSu, she is one of the most interesting producers and composers in Canada at the moment. This album was released in 2021 and I listened to it excessively throughout lockdown. I play this track a lot when I DJ because it brings a psychedelic other-worldliness to the dance floor that I think is exactly what is often needed at a rave. It freaks people out. And makes me feel like I’m DJing from a space ship, which is the ultimate dream, of course.
Dieser Track stammt vom Kollaborationsalbum „You Eff Oh“ der oben genannten Künstler. Ich kenne ihn, weil ich YuSu liebe. Sie ist momentan eine der interessantesten Produzentinnen und Komponistinnen Kanadas. Das Album erschien 2021 und ich habe es während des Lockdowns rauf und runter gehört. Ich spiele diesen Track oft beim Auflegen, weil er eine psychedelische, fast außerweltliche Atmosphäre auf die Tanzfläche bringt, die meiner Meinung nach genau das ist, was man auf einer Rave-Party oft braucht. Er versetzt die Leute in Ekstase und gibt mir das Gefühl, aus einem Raumschiff aufzulegen. Mein absoluter Traum, natürlich.
Sally Oldfield – Blue Water
Sally is a British musician who released 15 records throughout the 1970s and 80s. My co-producer Kieran introduced me to her work via this song, Blue Water, which is spectacularly beautiful. It’s sort of an onomatopoeia as music because it sounds like blue water dancing on blue flowers somewhere near the blue ocean. I realized later that I was already familiar with her brother’s work, Mike Oldfield, who is a prolific composer that has influenced my work for over 2 decades. Funnily enough, I was introduced to his work after a fan compared my early recordings to his Incantations which Sally also sings on. It must be quite something to share a rich musical life with a sibling. I can’t imagine it, but to have someone effortlessly share the social aspect of music with is extremely appealing.
Sally ist eine britische Musikerin, die in den 1970er und 80er Jahren 15 Alben veröffentlichte. Mein Co-Produzent Kieran machte mich mit ihrem Werk durch den Song „Blue Water“ bekannt, der von atemberaubender Schönheit ist. Er ist gewissermaßen eine Onomatopoesie. Denn er klingt wie blaues Wasser, das auf blauen Blumen irgendwo nahe dem blauen Ozean tanzt. Mir wurde später bewusst, dass ich bereits mit dem Werk ihres Bruders Mike Oldfield vertraut war, einem äußerst produktiven Komponisten, der meine Arbeit seit über zwei Jahrzehnten beeinflusst. Lustigerweise lernte ich sein Werk kennen, nachdem ein Fan meine frühen Aufnahmen mit seinen „Incantations“ verglich, auf denen auch Sally singt. Es muss etwas ganz Besonderes sein, ein so reiches musikalisches Leben mit einem Geschwisterkind zu teilen. Ich kann es mir kaum vorstellen, aber jemanden zu haben, mit dem man die Musik so mühelos teilen kann, ist ungemein reizvoll.
Olivia Rodrigo – Drivers License
What does it mean when you are in your mid-thirties and identifying so thoroughly with a melodramatic breakup song written by a 17 year old? I am not sure, but that was me when this song came out. I don’t know why people associate breakup grief with being a teenager. But from my experience it is ageless. It can happen at any time at any age and there is no amount of emotional maturity that can prevent.
Was bedeutet es, wenn man Mitte dreißig ist und sich so sehr mit einem melodramatischen Trennungslied identifiziert, das von einer 17-Jährigen geschrieben wurde? Ich bin mir nicht sicher, aber so ging es mir, als das Lied herauskam. Ich verstehe nicht, warum viele Trennungsschmerz mit der Teenagerzeit verbinden. Meiner Erfahrung nach kennt er kein Alter. Er kann jederzeit und in jedem Alter passieren, und keine emotionale Reife kann ihn verhindern.
Björk – Black Lake
Speaking of breakup songs, Black Lake is the high-art version of teenage melodrama. It’s the most accurate sonic depiction of grief I’ve ever heard. Grief doesn’t always manifest as crying and yelling, it also sounds like vast moments of nothingness. Black lake is a song where each section is divided by an uncomfortably long, sustained note that embodies a feeling of despair in a way no other song has achieved so accurately. She wrote this album shortly after the dissolution of her marriage. I remember the immediacy and vulnerability of the record caught people off guard. It must have felt very scary to be that vulnerable. But somehow the strength and impact of this album makes it somewhat easier for me to do, too.
Apropos Trennungslieder! „Black Lake“ ist die hohe Kunstform des Teenager-Melodramas. Es ist die treffendste musikalische Darstellung von Trauer, die ich je gehört habe. Trauer äußert sich nicht immer in Weinen und Schreien, sondern auch in endlosen Momenten der Leere. In „Black Lake“ wird jeder Abschnitt durch einen unangenehm langen, anhaltenden Ton getrennt, der ein Gefühl der Verzweiflung verkörpert. Björk schrieb dieses Album kurz nach dem Ende ihrer Ehe. Ich erinnere mich, dass die Unmittelbarkeit und Verletzlichkeit der Platte die Leute überraschten. Es muss sehr beängstigend gewesen sein, so verletzlich zu sein. Aber irgendwie macht es mir die Stärke und Wirkung dieses Albums auch ein Stück weit leichter, mich damit auseinanderzusetzen.
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